Din kurv er tom
Der vil altid være en masse debat om den bedste æra for biografen. For mine to øre vil jeg med stor selvtillid sige, at den bedste periode i biografhistorien var 70'erne.
Der var bestemt en overgang i løbet af dette årti, hvor biografen i slutningen af 60'erne fortsatte, indtil fødslen af blockbusteren, som vi kender den i dag.
Vi kunne næsten opdele 70'erne i to kategorier, selvom jeg også vil nævne underkategorier som Blaxploitation-perioden. På den ene side begyndte instruktører at bevæge sig så langt væk som muligt fra den traditionelle Hollywood-produktionskodeks.
Find de bedste pin-ups fra 50'erne og 60'erne !
Grænserne blev rykket, og optimismen blev erstattet af dybt pessimistisk arbejde. Ikke alt havde en lykkelig slutning. Tingene blev mørkere, hvilket afspejlede en vanskelig periode i socialhistorien, da vi bevægede os fra borgerrettighedsæraen til Nixon, Vietnam og økonomisk kamp i hele Vesten. I sidste ende ville tingene bevæge sig fra spændinger i Fjernøsten til spændinger med Rusland.
Den sidste verdenskrig var stadig forholdsvis ny, og de voldelige konflikter i slutningen af 1960'erne og følelsen af ubehag, der fulgte med disse konflikter, gjorde denne periode til en bekymrende og foruroligende tid i socialhistorien. Som med alle ting afspejles dette i biografen.
Dette kan nogle gange fungere på flere måder. Der er enten en hældning mod socialt reflekterende biograf eller mere til eskapistisk biograf og mod slutningen af 70'erne så vi overgangen fra førstnævnte til sidstnævnte.
I begyndelsen af 1970'erne tilbød disse modigere film og en ny bølge af friske og opkvikkende instruktører, som Francis Ford Coppola og Martin Scorsese for eksempel, et ofte stramt, men elegant udvalg af film.
Ligeledes ville en gruppe usædvanligt lovende skuespillere (og skuespillerinder) som Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep og Harvey Keitel begynde at gå i spidsen for at erstatte Hollywoods mere atypiske stjerner. Cary Grant -formen osv. De ville fortsætte med at lægge en sti, som en som Marlon Brando var begyndt at udstikke.
Den metodiske tilgang vil blive meget mere almindelig i denne æra og vil fast etablere en modig og modig tilgang, som fremtidige spillere kan anvende. Jerry Lewis fysiske krumspring erstattet af neurotiske grublerier fra instruktører som Woody Allen og Albert Brooks . Hvad vi for nylig kender som mumblecore, trækker i høj grad på værker af Allen osv.
Uden at gå for meget i detaljer om, hvordan disse film fungerede, for hver film, jeg kunne nævne, er en bog værd for sig selv, siger det sig selv, at mængden af klassisk biograf, der kom ud af dette årti, er svimlende.
Ja, det ville være alt for nemt bare at pege fingeren på to gudfædre og kalde dem filmens højdepunkt. De er uden tvivl mesterværker. Vi ved hvorfor. Så dem vil jeg undgå. Deres omdømme går forud for dem.
For at holde mig til Coppola, vil jeg tale lidt om et klassisk eksempel på en film, der perfekt inkarnerer 70'ernes tilgang til biografen. Det var rettidigt, tankevækkende og mørkt. Det var også et eksempel på en af de mest desværre placerede film på en instruktørs CV i historien.
Denne film kunne ikke være dårligere placeret end den var, da selve placeringen så filmen suget ind i et sort hul. Det blev totalt overskygget af det, der gik forud og fulgte det.
Dette er The Conversation, den minimalistiske, enkle, afklædte film, der var klemt inde mellem Coppolas første to grandiose film, The Godfather. I sig selv er The Conversation en genial film. Det er et mesterværk. Engagerende, intelligent, exceptionelt skrevet og på en mærkelig måde virker det som en eftertanke. Det ser ud til, at hun fylder tiden.
Det udfylder et hul mellem gangster-epos. Fra alle dyre og omstændelige scenografier, fra iscenesættelsen og redigeringen af The Godfather, til den smukke enkle indramning og stilhed i The Conversation.
Denne film fortjener at være i top 100. Okay, den har måske ikke det ikoniske design som Coppolas exceptionelle gangsterduo (vi vil ikke nævne tredje del), men Gene Hackman giver en af sine mest introspektive og effektive præstationer, i en film med udsøgt lyddesign og en spændende skildring af et nervøst sammenbrud på grund af paranoia.
Jeg kan ikke understrege nok over for dem, der gik glip af det, men du skal helt sikkert se The Conversation.
Coppola ville afslutte årtiet med et vidtstrakt krigsepos, der stilmæssigt er modsætningen til den ligefremme tilgang, han brugte i den førnævnte Hackman
Apocalypse Now var en indviklet prøvelse. Det kostede næsten Martin Sheen livet. Coppola havde en perfektionistisk tilgang til dette. Hvert billede af hver scene er kunst. Det er en forbløffende film med slående billeder, der spiller smukt med den dystre rædsel i det, den faktisk skildrer.
Alt fra de store, visuelt blændende kulisser til intimiteten i Marlon Brandos uhyggelige, men intenst fordybende præstation er et genredefinerende genialt værk.
Hvis der er én ting, der perfekt inkarnerer standarden fra 70'erne sammenlignet med resten, så er det Coppolas CV. Han gjorde et godt stykke arbejde gennem 80'erne (jeg elsker Rumble Fish), men intet som Corleone-sagaen, hans episke Nam eller endda The Conversation.
Scorsese gik i gang med Mean Streets, en rå og stilfuld gangsterfilm, der viste en meget mindre romantiseret og moderne (på det tidspunkt) skildring af de...nååååå...mene gader.
1970'erne var en periode med rå og eksperimenterende Scorsese. Det store øjeblik var på vej, og til en vis grad den nervøse, kreative livlighed, han havde nået sit højdepunkt i slutningen af årtiet med Raging Bull.
I begyndelsen af 80'erne havde han perfektioneret sit håndværk, og om ti år ville han instruere et mesterværk i Goodfellas . En af hans mest stilfulde og introspektive film er dog Taxi Driver .
Han er en instruktør i fremmarch, fuld af nye ideer, vovemod og instinkt. De Niro var fascinerende. Næsten 90 % af det, der gør hans præstation så fængslende, er internt. Travis Bickle trækker publikum ind og kræver vores opmærksomhed og fortolkning.
Filmen er ulig noget Scorsese har lavet siden. I sidste ende var det også på tide. Det var en atypisk film fra 1970'erne, og de romantiske skildringer af New York er stort set forsvundet, erstattet af film som Taxi Driver. Se også LA, Chicago og San Francisco. Filmskaberne viste nu, hvad der skete bag kulisserne.
Selv i en periodefilm var alt meget moderne. Chinatown spillede for eksempel som et gammelt sort tyggegummitræ, men alt ved det dryppede (genialt) i 1970'ernes pessimisme.
Denne æra handlede ikke kun om blus og stort hår, langt fra, og bestemt ikke filmisk. Jack Nicholson var ved at etablere sig solidt i den nye bølge, mens Roman Polanski som instruktør var begyndt at skabe sig et navn uden for Europa (og før han gjorde sig bemærket for noget i det hele taget mindre velsmagende).
Filmen, der er så godt et eksempel på et (Robert Towne) manuskript, som du kan se, er unægtelig uhyggelig og viger ikke tilbage for noget, den skildrer, uanset om det er virksomhedskorruption eller politi eller incestuøs voldtægt.
Da de udødelige sidste ord, " It's Chinatown ", udtales efter en af biografens mørkeste og mest bevægende slutninger, bliver seeren brudt, men grebet, den fængslende og lidenskabelige tilstand af sening, forløses. Chinatown, som meget biograf i den æra, bliver hos dig.
Du kan se en lang række svære, mørke og kraftfulde film fra æraen, fra stort budget til lavbudget. The French Connection, Marathon Man , de storslåede rå og viscerale Badlands.
På samme måde, når du ser en film som All The Presidents Men , viser det, at filmskaberne ikke er bange for den umiddelbare historie. De håndterede her og nu og lod ikke sårene hele først.
Så der er en gruppe af stigende stjerner og instruktører, som er banebrydende for nye og forfriskende stilarter. Men i mellemtiden arbejdede etablerede stjerner og instruktører stadig.
Brando , der omskrev spillets regler i 1950'erne, producerede stadig ikoniske shows for Coppola. Sidney Lumet , en instruktør, der inspirerede mange nye instruktører fra 70'erne (inklusive FFC og Scorsese), producerede stadig nogle af sine bedste værker, som Dog Day Afternoon og Serpico (som ikke skabte bølger i deres repræsentationer af social uro og institutionel korruption).
Denne æra var også en nøgleperiode inden for udnyttelsesfilm. Instruktører som Michael Winner (Death Wish) og Abel Ferrara træder ind i arenaen. Deres biograf var sjusket, lidt trashy, men underligt indsigtsfuld.
Blandt affaldet ved Death Wish er nogle sigende sociale kommentarer. Det taler ikke kun om bymiljøet i American City, men også det vestlige samfund som helhed på det tidspunkt. Dette er en film, der lige så godt kunne optages og foregår i London.
Get Carters mørke og grublende verden , så briterne bestemt ud til at ville væk fra romantiske skildringer af bylivet. Hvis figurer som Coppola rev traditionalismen fra hinanden, som stive skydeformer, trepunktsbelysning osv. De rykkede også uden grund grænserne for evalueringskommissionen.
Det var en tid, hvor pornografiske film var meget almindelige. Hollywoods produktionskode stod i flammer. Alle pressede niveauerne af smag og anstændighed og prøvede lykken. Deep Throat, Debbie Does Dallas og andre.
Samtidig så vi en stærk sort bevægelse med fremkomsten af Blaxploitation- biografen . Pludselig dukkede en befolkning op, som ikke var blevet overvejet før.
Selvfølgelig bidrog borgerrettighedsbevægelsen til dette. Det var ikke kun det atypiske standardpublikum (ofte anset af Hollywood for at være hvide mænd, og højst hvide kvinder), der krævede en mere realistisk og råere biograf, der var også et minoritetspublikum, der krævede noget for sig selv.
Mens Pacino og De Niro osv. gjorde deres ting (med deres egne distinkte italienske/amerikanske identiteter), så vi stjerner som Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier og Jim Killy medvirke i en samling hippe, seje, attitude-injicerede udnyttelsesfilm.
Uanset om det var Shaft , Coffy eller Foxy Brown , var disse film ikke helt realistiske. De var dybest set tegneseriefilm med et citronagtigt trashy twist.
På nogle måder var disse film en måde at omgå traditionen og endda Hollywood New Wave (som ofte var begyndt at vise sorte karakterer som en del af kriminelle bander osv.)
Hvad alt dette viser er, hvor vidunderligt eklektisk amerikansk og britisk film var. Samtidig var der meget eksperimenterende biograf.
Folk var på vej væk fra studiesystemer. Et kollektiv af filmskolekandidater lavede deres egne lavbudgetfilm og fandt springbrætter til større værker (Scorsese, Ferrara, FFC osv.).
Folk som Terrence Malick eller John Cassavetes var meget usædvanlige i deres stilistiske tilgang og måden, de fortalte historier på. Især Cassavetes havde en meget rå stil, men der var en observant sandhed i alt, hvad han gjorde.
Interessant biograf var ikke kun begrænset til Vesten, selvfølgelig. Men til en vis grad er det simpelthen ved at indhente det, østlige film og Europa allerede har gjort.
I mellemtiden begyndte østeuropæisk film på trods af spændinger at tiltrække opmærksomhed i USA. Faktisk bliver en tilskuers påskønnelse af verdensbiografen mere og mere opfattende og åben for bredere påvirkninger.
Andrei Tarkovsky forenede smukt fotografiets kunst og æstetik med det levende billede. Han banede vejen for en gruppe russiske og østeuropæiske instruktører. Fransk film havde allerede overtaget en stor del af koncernen; Amerikansk film var nu, i slutningen af 1950'erne, et godt stykke ind i 1960'erne, mens eksperimentalister som Godard fortsatte med at arbejde solidt.
Som jeg sagde, kunne jeg afsætte hele artikler til hver nævnte person, men jeg er ikke sikker på, at internettet har lagringskapaciteten til mine vandreture. De førnævnte Polanksi og Milos Forman ville også tage springet fra deres respektive lande til Hollywood-berømmelse.
Horrorfilm revolutionerede deres stil. De tager de frø, der er syet af karakterer som Hitchcock eller Michael Powell (Peeping Tom). Stilistiske tilgange rykkes og grænser rykkes i forhold til videoovervågning, farver og redigering.
Endelig bliver tingene mere og mere mørke (sataniske), skræmmende eller blodige. Vi havde The Exorcist, Rosemary's Baby, The Omen og så Giallo-filmene, der kom til os fra Italien . Dario Argento , med elektrificerende gyserfilm som Deep Red og Suspiria , en bevægelse af kreative, grænseoverskridende instruktører uden begrænsninger.
I slutningen af 70'erne John Carpenter og omskrev reglerne for slasheren, hvilket førte til en række efterligninger og franchise gennem 80'erne.
Som jeg nævnte før, blev tingene gradvist klarere mod slutningen af årtiet, da publikum nu havde brug for en smule eskapisme. Pludselig så vi håb og godhed.
Lidt fantasi her og der. Fra Dirty Harry , Deliverance og Don't Look Now , til film som Rocky, Close Encounters of the Third Kind , Grease og selvfølgelig Star Wars . I dag søger filmskabere i stigende grad at generere billetindtægter i stedet for at udfordre offentlighedens intellektuelle eller sociale samvittighed.
Der var stadig en blanding i 80'erne, men landskabet var bestemt ved at ændre sig i retning af fantasi. Uanset om det er outsiderhistorier eller rumeventyr. Virkeligheden i post-Nixon-Nam-æraen var ved at blive svær at assimilere. Folk ville gerne se virkeligheden, men de levede også efter den. De havde brug for noget andet.
Hos en som Rocky Balboa for eksempel, viste det et vist håb. At der selv i disse beskidte gader for den almindelige mand var en chance for noget større.
båndbredden flimrende myte med meget mere, vil jeg både spørge dig, hvad dine yndlingsfilm fra 70'erne er, og faktisk, er der en bedre æra for biograf?
Bare google en liste over film fra 70'erne for at se, hvad det enestående (verdenomspændende) output fra det årti var. Jeg tror ikke, vi kan toppe hende.
Du kan også finde vores top 100 bedste film optaget i New York fra alle perioder!
Kommentarer godkendes inden offentliggørelse.
